Romanticismo (ca. 1810–1870)

La Cantata tra soggettività e nazione

Nel Romanticismo cambia la visione dell’uomo. Non dominano più la misura neoclassica, la proporzione architettonica, l’equilibrio razionale, ma l’interiorità, il sentimento individuale, la memoria, il mito, la nazione. E la Cantata, ancora una volta, si trova in posizione strategica. Se nel Neoclassicismo era proporzione e misura, nel Romanticismo diventa espansione emotiva controllata. Non è ancora teatro verista, o simbolista, ma è lirismo concentrato, che amplia la tavolozza orchestrale, accentua il contrasto dinamico e approfondisce il legame parola-musica, intensificando il pathos. L’aria non è più forma simmetrica, ma momento quasi di confessione introspettiva. Il recitativo si fonde con l’arioso e le distinzioni formali si attenuano.

La Cantata e il Risorgimento

In Italia il Romanticismo coincide con il Risorgimento. La Cantata diventa uno strumento potente per celebrazioni civili, commemorazioni patriottiche, eventi pubblici. Non ha bisogno della scena per generare partecipazione collettiva. La Cantata civile è in forma solenne e compatta, adatta a essere eseguita in spazi istituzionali. Molti compositori operistici scrivono Cantate per occasioni ufficiali. Se l'opera infiamma il teatro, la Cantata consolida il sentimento nazionale fuori dal teatro. Nel pieno Ottocento italiano domina il melodramma, ma proprio perché l’opera è macchina spettacolare complessa, la Cantata resta luogo di concentrazione, rivendicando la sua forma autonoma. Lascia spazio alle sperimentazioni timbriche e prepara il terreno per nuovi rapporti tra voce e orchestra, ispirando i pezzi anche solo strumentali e le nuove forme della canzone e della romanza da salotto. Se nell’opera l’aria deve rispondere alle convenzioni del pubblico, nella Cantata il compositore può permettersi maggiore libertà. La Cantata romantica usa il coro come massa drammatica compatta e integra l’orchestra in modo più narrativo, riducendo i numeri chiusi in favore di continuità espressiva. È insomma un genere “a metà strada” tra scena e sinfonia.

La Cantata sacra romantica

Anche in ambito religioso cambia l’estetica, si amplia l’orchestra e si enfatizza il coro, che accentua il pathos. Utilizza armonie più cromatiche, senza raggiungere le vette del simbolismo mistico successivo. La dimensione spirituale si carica di emozione personale.

La Cantata e la forma sinfonico-corale

Nel Romanticismo si afferma la grande forma corale-sinfonica e la Cantata partecipa a questa trasformazione, avvicinandosi alla sinfonia. I movimenti si ampliano e i temi ricorrenti costruiscono arcate narrative estese. Non è più soltanto alternanza recitativo-aria, ma costruzione unitaria, che bene rappresenta l’interiorità romantica. Il Romanticismo ama la memoria, il passato mitico, la natura, l’individuo. La Cantata si presta perfettamente a narrazioni leggendarie, episodi storici, evocazioni poetiche, meditazioni intime, ed è abbastanza ampia da riuscire monumentale.

Il gigante della transizione e i maestri del Belcanto

Tra i protagonisti italiani di questo periodo, il gigante della transizione Gioachino Rossini (1792 – 1868) scrisse numerose Cantate per occasioni ufficiali (come Il vero omaggio o Il pianto delle Muse in morte di Lord Byron). Tuttavia, la sua Cantata più celebre è Giovanna d'Arco (1832), per voce sola e pianoforte. È considerata l'ultimo, geniale omaggio alla grande tradizione della Cantata solistica italiana, ma è ormai intrisa di profonda e drammatica sensibilità romantica. Gaetano Donizetti (1797 – 1848), autore fecondissimo, non si limitò al teatro. Scrisse svariate Cantate celebrative, soprattutto durante i suoi anni a Napoli per la corte borbonica (es. Il fausto ritorno). Molto interessante è il suo Canto d'Ugolino (dal testo di Dante), una Cantata per basso e pianoforte che riflette appieno il nuovo gusto gotico e "tenebroso" del Romanticismo. La produzione di Cantate di Vincenzo Bellini (1801 – 1835) è legata quasi esclusivamente agli anni giovanili e di studio al Conservatorio di Napoli (ad esempio l'Ismene, scritta per le nozze di Francesco I). Egli vi mostra già in nuce quella melodia lunga e malinconica che lo renderà celebre nel mondo operistico. Saverio Mercadante (1795 – 1870) e Giovanni Pacini (1796 – 1867) sono due compositori, attivissimi in campo operistico e didattico, veri "compositori ufficiali" per le accademie e le istituzioni dell'epoca. Scrissero numerose Cantate per l'inaugurazione di statue (celebre quella di Pacini per la statua di Dante in Santa Croce a Firenze) o per celebrazioni accademiche, mantenendo vivo l'aspetto più grandioso e corale del genere.

Il patriottismo e l'evoluzione della forma

Giuseppe Verdi (1813 – 1901), pur essendo l'uomo di teatro per eccellenza, affrontò forme affini. A parte i lavori giovanili perduti (come la Cantata I deliri di Saul), la sua opera d'occasione più famosa è l'Inno delle nazioni (1862). Scritta per l'Esposizione Universale di Londra su testo di Arrigo Boito, è a tutti gli effetti una Cantata profana per tenore, coro e orchestra, che incarna perfettamente l'impegno politico e gli ideali del Risorgimento italiano.

Sintesi del Romanticismo

Nel periodo 1810–1870 la Cantata si espande emotivamente, caricandosi di valore civile. Avvicinandosi alla forma sinfonico-corale diventa ponte tra opera e sinfonia e integra coro e orchestra in modo più organico, perdendo la rigida alternanza neoclassica. Non è ancora simbolismo, non è ancora decadentismo, non è ancora verismo. È Romanticismo pieno, soggettivo, nazionale, lirico e monumentale.