Secolo dei Lumi (1720 → ca. 1750)

L’età della Ragione e la musica

Nel primo Settecento l’Europa entra nell’Età della Ragione, ovvero l’Illuminismo, corrente culturale e filosofica che esalta il libero pensiero, l’equilibrio, l’ordine e la chiarezza. Questa stagione influenza ogni campo dell’arte, dalla pittura alla letteratura fino alla musica. Questo non significa una rottura violenta con il Barocco, ma piuttosto una evoluzione graduale, perché lo stile ancora barocco permane, ma si fa avanti una sensibilità nuova verso la semplicità, l’equilibrio e la comunicazione diretta.

La Cantata nell’età dei Lumi

Essendo la Cantata un’opera senza scena per un pubblico ristretto, spesso colto e specialistico, e un luogo dove sperimentare nuovi linguaggi, allora questo periodo illumina (appunto) il ruolo di quel genere e sotto nuovi aspetti.

La Cantata come equilibrio tra Barocco e Classicismo

La musica dei primi decenni del XVIII secolo è ancora fortemente legata allo stile barocco ma con progressiva semplificazione melodica, armonica e formale. Questa tensione verso la chiarezza diviene il cuore dell’estetica illuminista, che preferisce la forma comprensibile e l’espressione semplice e comunicativa. La Cantata mantiene l’alternanza recitativo-aria tipica del barocco, ma diventa più lineare. Si intensifica la relazione tra testo e musica, con una costruzione più aderente alle scelte retoriche razionali dell’Illuminismo. Le strutture esplorative del Seicento evolvono in moduli più chiari, vicine all’equilibrio classico. A differenza dell’opera pubblica, la Cantata continua a essere un genere colto e intimo, ma ora rispecchia anche i nuovi canoni estetici di ordine e misura.

Il pubblico e la funzione della Cantata

L’Illuminismo spinge verso una nuova idea di pubblico borghese colto e non è più vincolata soltanto alla corte o alla cappella, ma gradualmente acquisisce potere culturale. In questo nuovo mondo la Cantata resta un genere specialistico, ma è sempre più letta in termini di natura e ragione, non è più soltanto laboratorio di stile. Spesso è eseguita in ambienti accademici, corti illuminate, salotti dove si discute di scienza, musica, poesia. La scelta del testo diventa allora sempre più attenta alla logica, alla chiarezza comunicativa, al linguaggio diretto. L’Illuminismo non nega la religione, ma ne mette in discussione molte forme rituali rigide. Nella musica sacra (e quindi nelle Cantate sacre) si predilige la chiarezza del testo liturgico, scompare l’esuberanza strumentale fine a se stessa in favore di una modulazione più misurata. La Cantata sacra si pone tra devozione e razionalità, bilanciando l'affetto con l'ordine. Qui la musica diventa strumento di comprensione e non di spettacolo esteriore. Anche se l’oratorio continua ad esistere, la Cantata resta un luogo adeguato a esprimere affetti religiosi con disciplina razionale. Tra i compositori del primo Settecento troviamo figure che, pur non essendo studiate per la Cantata come genere esclusivo, contribuiscono alla sua evoluzione, compositori italiani che, pur lavorando in teatro e in ambito sacro, scrivono Cantate da camera con profondo equilibrio formale.

I protagonisti della fase cruciale

All'incirca in un trentennio, la Cantata da camera diventa una vera e propria mini-opera per i salotti, un banco di prova per il virtuosismo vocale assoluto. Tra i protagonisti italiani di questa fase cruciale ci sono i maestri della Scuola Napoletana. Giovanni Battista Pergolesi (1710 – 1736), genio tragico di questo periodo, sebbene sia famoso per La serva padrona e lo Stabat Mater, lasciò alcune Cantate da camera di una bellezza sconvolgente. La sua Cantata Nel chiuso centro (nota anche come L'Orfeo) è un capolavoro in cui l'espressività teatrale si sposa perfettamente con l'intimità del genere da camera. Le Cantate di Leonardo Leo (1694 – 1744), colonna portante dei conservatori napoletani, rappresentano un equilibrio perfetto, unendo la cantabilità spianata e luminosa del nuovo gusto settecentesco al rigore contrappuntistico che non cede mai a facili semplificazioni. Francesco Durante (1684 – 1755), più che per la musica teatrale, è venerato come il didatta supremo del secolo. Maestro al Conservatorio dei Poveri di Gesù Cristo e poi a Sant'Onofrio (dove si formeranno didatti come Carlo Cotumacci e grandi operisti), scrisse Cantate e celebri Duetti da camera che furono studiati per generazioni come modelli perfetti di condotta delle voci. Francesco Feo (1691 – 1761), altro esponente di spicco dell'ambiente partenopeo, meno noto oggi al grande pubblico, all'epoca era celebratissimo per la raffinatezza delle arie e per le Cantate solistiche, molto apprezzate per l'intensità espressiva.

I grandi viaggiatori e i virtuosi

Il grande viaggiatore e virtuoso Nicola Porpora (1686 – 1768), già attivo nel periodo precedente, tocca l'apice della sua fama proprio negli anni '30. A Londra, nel 1735, pubblica una celeberrima raccolta di Dodici Cantate, dedicate al Principe del Galles. Sono composizioni scritte espressamente per mettere in luce le capacità tecniche e l'estensione dei grandi castrati di cui lui stesso era maestro. Domenico Scarlatti (1685 – 1757), ricordato universalmente per le oltre 500 sonate per clavicembalo, prima di trasferirsi definitivamente nella penisola iberica, scrisse un corpus di Cantate da camera di altissimo livello. Vi si ritrova la stessa originalità armonica e le stesse impennate ritmiche che rendono inconfondibile la sua musica strumentale. Geminiano Giacomelli (1692 – 1740), piacentino di nascita, fu uno dei compositori più applauditi del suo tempo. Nelle sue Cantate, il recitativo diventa estremamente flessibile e l'Aria col da capo si espande, permettendo al cantante di improvvisare fioriture sempre più complesse nella ripresa. In questa fase, la Cantata è ormai un genere d'élite, destinato ai palati raffinati dell'alta aristocrazia che desideravano ascoltare, a un metro di distanza, i più grandi virtuosi dell'epoca.

Nascita implicita del nuovo stile

Nel periodo che precede lo stile galante (intorno al 1750), la musica mostra maggiore attenzione alla melodia cantabile rispetto all’elaborazione contrappuntistica. Ci sono tendenze omofoniche e strutture più razionali della forma musicale, dato che il gusto privilegia la chiarezza. La Cantata tende verso una struttura più chiara, in cui il contrasto recitativo-aria si stabilizza e la forma diventa meno ornamentale. Questo non è ancora classico nel senso pieno del termine, ma è il terreno in cui lo stile galante (e poi il classicismo pieno) potrà radicarsi.

Sintesi del periodo

Se il Barocco aveva inventato e consolidato la Cantata, e l’Arcadia l’aveva fatta classica nelle sue forme interiori, il Secolo dei Lumi ne trasferisce l’energia nel linguaggio del pensiero razionale. La Cantata acquisisce forma più chiara e misurata, conservando la relazione profonda tra parola e musica, ma nel segno della ragione e della comunicazione diretta. Diventa espressione colta di pensiero equilibrato dall’età della ragione. In altre parole nel secolo dei Lumi la Cantata riflette i valori del nuovo mondo culturale senza perdere la propria identità espressiva.