Il Decadentismo Musicale Italiano

Languore e Crisi (1885-1920 ca.)

Il Decadentismo Musicale Italiano (1885–1920 circa) non è da intendersi come un movimento unitario, ma come un clima spirituale e una crisi di valori che pervase la cultura italiana, abbracciando e superando il Realismo e il Verismo, e prefigurando i disastri storici della Grande Guerra. Si manifestò con una ricerca di raffinata sensualità, languore e sottile malinconia, in netta opposizione all'oggettività scientifica del Positivismo e alla violenza delle passioni veriste.

La sua poetica fu quella del languore e della raffinatezza, profondamente legata alla letteratura di Gabriele D'Annunzio e di Giovanni Pascoli, concentrandosi sull'interiorità, il mistero e l'esotismo. L'espressione musicale ne fu trasfigurata in stati d'animo evanescenti e in atmosfere rarefatte.

L'Orchestra come Sogno e Colore

In ambito decadente e simbolista, l'orchestra si distacca dalla sua funzione di motore drammatico (tipica del Verismo) per diventare veicolo di suggestione e colore. L'orchestra decadente utilizza il cromatismo per la sfumatura e il colore, in analogia con la pittura divisionista, distanziandosi dagli effetti aspri del Verismo. Il progresso tecnico degli strumenti fornì ai compositori una tavolozza timbrica ricchissima per dipingere atmosfere sottili.

Parallelamente si assiste al declino della supremazia vocale. Il canto ora tende a fondersi con l'ordito strumentale, e la voce stessa diviene un colore che affiora e scompare nel flusso, perdendo la supremazia assoluta che aveva nel melodramma e nmelle canzoni dell'Ottocento.

Languore Strumentale

L'esempio più calzante di questa nuova sensibilità è il celebre Notturno in sol bemolle op. 70 di Giuseppe Martucci, la cui cantabilità crepuscolare e sensuale ne fa un manifesto strumentale pienamente decadentista. Parimenti, compositori come Alfredo Catalani (nella sua opera La Wally) incarnarono la vena di mestizia e languore, distanti dalla crudezza che caratterizza il Verismo puro.

La Generazione dell'Ottanta e il ritorno alle Radici

Il Decadentismo coesistette con la piena affermazione di una scuola sinfonica italiana, smentendo per l'ennesima volta il luogo comune di un'Italia esclusivamente operistica. Maestri del sinfonismo come Giuseppe Martucci e Giovanni Sgambati (un paladino della musica strumentale) proseguirono nel solco di un linguaggio autonomo, fatto su misura per le raffinatezze espressive del Decadentismo.

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La presenza di didatti come Antonio Bazzini e Beniamino Cesi garantì una solida preparazione tecnica, indispensabile per affrontare le complesse trame armoniche e timbriche del nuovo stile. In questo contesto, il Decadentismo (rappresentato anche da Puccini negli ultimi suoi anni, da Zandonai e da Respighi più lirico) cercava la bellezza sensuale come rifugio dalla realtà.

La Cantabilità Assoluta

Tutta la produzione italiana, sia vocale che strumentale (sinfonica, concertistica, quartettistica), mantiene un tratto caratteristico imprescindibile: la cantabilità. L'efficacia melodica della lingua italiana si traduce in una musica che canta, trovando la sua fonte non solo nelle Arie liriche, ma anche nelle Romanze da salotto, nella canzoni e nella ricchissima tradizione coreutica e sacra.

Video selezionati dal canale ItalianOpera:

 Ascolta F.P. Tosti - "Malìa" (Languore e sensualità decadente in una canzone)

In sintesi, il Decadentismo fu il periodo in cui l'espressione musicale si rivolse ai propri stati d'animo interiori, utilizzando gli strumenti tecnicamente avanzati per creare suggestioni ed effetti di sottile malinconia, ponendo la bellezza e l'artificio al centro dell'esperienza artistica.