Il Simbolismo in musica

Il Simbolismo musicale in Italia

I compositori italiani della cosiddetta Generazione dell’Ottanta furono i protagonisti dell’estetica del Simbolismo, movimento che segnò la reazione aristocratica e spirituale alla brutalità oggettiva del Realismo e del Verismo di fine Ottocento.

Lungi dal rappresentare la cronaca sociale o il delitto passionale, il Simbolismo musicale privilegiò un linguaggio allusivo e raffinato, teso a esplorare il mondo interiore, il sogno, il mistero e le corrispondenze segrete tra le arti. Il compositore simbolista si pone come un veggente che, attraverso una musica cangiante, tenta di svelare per simboli e analogie una realtà più profonda e invisibile, in linea con la crisi del Positivismo e l’emergere di una nuova sensibilità spirituale.

Ottorino Respighi e la sinestesia orchestrale

Ottorino Respighi (1879–1936), con la sua sinestesia orchestrale, è il musicista che più consapevolmente applica l’estetica simbolista alla musica strumentale. Il Poema Sinfonico, suo genere prediletto, è una libera evocazione di atmosfere senza i vincoli di una trama lineare. Le sue opere più celebri, i Poemi Sinfonici Romani, di cui Le Fontane di Roma sono manifesto, non descrivono realisticamente i monumenti, ma evocano i simboli che rappresentano, secondo la suggestione e la luce mutevole delle diverse ore del giorno.

Esiste una stretta corrispondenza tra timbri e colori divisionisti. La sua arte orchestrale trova un perfetto parallelo nella pittura di Giovanni Segantini e Gaetano Previati: come i Divisionisti scompongono il colore in filamenti per ottenere una luce simbolica, così Respighi scompone la massa orchestrale in timbri raffinati per creare un paesaggio sonoro rarefatto e pieno di allusioni. L’uso dei timbri, ossia dei “colori orchestrali”, è simbolico, come nei quadri in cui la luce genera sfumature sempre nuove e significati nascosti.

L’opera di Respighi si allinea all’Idealismo di Benedetto Croce, rivendicando l’autonomia dell’arte come intuizione pura. La musica non imita la realtà, ma ne diventa una forma autonoma di conoscenza: un linguaggio privilegiato per cogliere, attraverso le note — che funzionano da simboli — gli aspetti più reconditi dell’esistenza.

Riccardo Zandonai e il rito estetico

Riccardo Zandonai (1883–1944) è noto per la sensualità della sua musica, che si traduce in un vero e proprio rito estetico. Pur considerato un erede del Verismo, Zandonai scelse infatti soggetti che incarnano l’Estetismo e il Panismo dannunziano, due correnti centrali del Simbolismo e del Decadentismo.

Francesca da Rimini (1914), su testo di Gabriele D’Annunzio, è un manifesto di questo orientamento. La passione non è più cronaca popolare, ma rito di bellezza e sensualità, e la parola è scelta per la musicalità intrinseca, quando l’orchestra avvolge l’ascoltatore in atmosfere raffinate. Zandonai costruisce un continuum vocale-strumentale nella quale ogni sonorità diventa simbolo, e la musica indaga le ambiguità del desiderio e dell’inconscio.

Giacomo Puccini e il simbolo che si fa dramma

Le ultime opere di Giacomo Puccini (1858–1924) rappresentano il punto d’incontro tra il realismo del melodramma e l’estetica simbolista. Pur considerato l’erede del melodramma post-verdiano e del Verismo, Puccini, nelle sue opere tarde, in particolare con Madama Butterfly e Turandot, scrive per simboli, che maschera dietro l’esotismo orientale. In

Turandot, opera leggendaria e mitica, abbandona la realtà oggettiva per abbracciare un soggetto simbolico. L’enigma della principessa è esso stesso allegoria dell’amore e della conoscenza. L’orchestra, con una raffinatezza timbrica estrema, nelle mani di Puccini diviene il mezzo per creare atmosfere inedite e registrare, come un sismografo, le più sottili vibrazioni dell’animo dei personaggi.

Contro la volgarità

L’artista simbolista si ritira sdegnosamente dalla volgarità della politica e dalla crudezza dei conflitti di classe, costruendosi un paradiso artificiale estetico, fatto di bellezza e mito. I compositori simbolisti, e poi i decadentisti, operano in consapevole polemica con il Verismo, obbedendo al mutare della sensibilità e dei gusti.

La loro musica si riflette nell’arte Liberty (Art Nouveau), con le sue linee sinuose e la ricerca spasmodica di infondere bellezza in ogni aspetto della vita. È un’arte che tenta, attraverso l’artificio, di arrestare il tempo e di salvare, almeno nella forma, un mondo che si sente ormai vicino al tramonto.

Simbolismo e crisi

Dai Poemi Sinfonici alle Romanze da Salotto

Il Simbolismo e il Decadentismo si presentarono al grande pubblico come un’evasione dal materialismo e dalla realtà sociale di fine secolo. I simbolisti si rifugiarono in un mondo di bellezza artificiosa e sognante, ricco di rimandi esoterici e poetici. Questa estetica non si limitò ai grandi teatri d’opera o ai poemi sinfonici, ma si diffuse anche nei generi destinati al consumo domestico, come la romanza da salotto e la musica da camera.

Nei salotti borghesi e aristocratici, lontani dai problemi della società di massa nascente, si sviluppò una sensibilità raffinata e inquieta. Numerosi compositori italiani, tra cui Francesco Paolo Tosti (1845–1916), tradussero le tematiche di D’Annunzio e Pascoli in brani brevi per voce e pianoforte. Melodie come Ideale e Malìa, solo apparentemente semplici, si caricano di languore e malinconia crepuscolare, diventando esempi perfetti di Estetismo musicale. Tosti propone così la bellezza della musica come rifugio dell’anima.

Ildebrando Pizzetti e lo spiritualismo lirico

Ildebrando Pizzetti (1880–1968), figura centrale della “Generazione dell’Ottanta”, portò il Simbolismo verso una dimensione più interiore e austera. Le sue prime liriche per canto e pianoforte sono pervase da uno spiritualismo severo e da un’attenzione maniacale al testo, che riprende il linguaggio poetico di Pascoli. La sua musica è un’intuizione lirica pura, capace di scavare nelle profondità del sentimento e di restituire, come in una poesia, la vibrazione più intima dell’anima.

La canzone sognante e il Simbolismo popolare

La canzone “sognante”, caratteristica del Simbolismo popolare di questo periodo, specialmente nella Belle Époque napoletana, assume toni simbolisti e trasforma la realtà in pura suggestione. A Vucchella (1892, D’Annunzio / Tosti) è l’esempio più celebre della fusione tra Simbolismo colto e forma popolare.

La lirica non descrive realisticamente, ma evoca attraverso il linguaggio sensuale dell’analogia. La piccola bocca (“vucchella”) diventa simbolo di bellezza da contemplare, icona di desiderio e armonia. È il punto d’incontro tra poesia e melodia, dove la musica si fa sguardo interiore e l’immagine si dissolve in suono.

Musica per pianoforte: nevrosi e inconscio

La produzione per pianoforte solo divenne, tra la fine dell’Ottocento e l’inizio del Novecento, uno dei luoghi privilegiati di rifugio interiore. Le composizioni di Stefano Golinelli (1818–1893) anticipano l’intimismo lirico che caratterizzerà il Simbolismo e il Decadentismo, rivelando un nuovo linguaggio introspettivo, lontano dalla teatralità romantica.

Anche Giovanni Sgambati (1841–1914), pur dedito al sinfonismo, scrisse pagine pianistiche come i Notturni e i Fogli volanti, delicate miniature poetiche che traducono in musica il bisogno di introspezione. Questi brani rappresentano il rifugio nell’interiorità e la risposta musicale alla crisi del Positivismo: un mondo sonoro di ombre, malinconie e vibrazioni segrete, che rispecchia la nevrosi raffinata di un’epoca sospesa tra sogno e disincanto.