Arcadia (1690–metà Settecento)

Con la fondazione dell’Accademia dell'Arcadia nel 1690 cambia il clima culturale italiano, che reagisce all’eccesso barocco, contro la retorica iperbolica, contro il concettismo esasperato e l’artificio teatrale. Si ricerca la semplicità, la chiarezza e la misura. Se l’opera deve riformarsi, la Cantata è il luogo ideale da cui iniziare, genere arcadico per eccellenza, per sua natura più breve, concentrata, intellettuale e destinata a circoli ristretti. Mentre il teatro pubblico continua a esigere spettacolo, la Cantata può permettersi introspezione ed equilibrio tra parola e musica. Se l’Arcadia vuole purificare il linguaggio poetico, la Cantata è lo spazio più controllabile e raffinato dove poterlo fare.

Dalla retorica barocca alla chiarezza arcadica

Nel tardo Seicento la Cantata era ancora carica di pathos teatrale. Con l’Arcadia si assiste a maggiore regolarità formale ed equilibrio metrico. Non scompare l’intensità, ma viene disciplinata.

La Cantata e la nascita della nuova aria

L’aria da capo, già consolidata, si raffina e il recitativo si fa più lineare. La struttura alternata si stabilizza. La Cantata diventa un banco di prova della futura estetica metastasiana, prima che si stabilizzi nei grandi teatri.

Cantata e oratorio in età arcadica

Anche l’oratorio, che è un genere più ampio, riflette la stessa riforma. Se leggiamo la storia dell’oratorio come storia della Cantata sacra in grande formato, vediamo la stessa riduzione degli eccessi teatrali e la maggiore moralità del testo. La Cantata sacra arcadica diventa meditativa, quasi contemplativa. Non è più il dramma concitato di prima, ma guadagna in riflessione musicale.

La funzione sperimentale continua

La Cantata rimane laboratorio, in cui sperimentare nuove simmetrie formali e le strutture che poi entreranno nell’opera seria. Molte delle soluzioni che esploderanno nel pieno Settecento sono già presenti nelle cantate arcadiche. Se l’opera è spazio pubblico, e deve convincere il pubblico pagante, la Cantata è spazio interno e deve piacere all’intellettuale. In epoca arcadica, questo fa una differenza enorme, perché il genere si adatta meglio al nuovo gusto, evita compromessi scenici e diviene genere colto per eccellenza, preparando l’estetica del primo Settecento. Si consolida intanto il primato musicale italiano in Europa, quando altri paesi adottano il modello della nostra Cantata.

I grandi maestri dell'epoca

Tra gli italiani che hanno dominato questo genere tra la fine del Seicento e il primo Settecento, il dominatore assoluto è Alessandro Scarlatti (1660 – 1725). Sebbene la sua carriera sia iniziata in pieno Barocco, Scarlatti è il vero ponte verso lo stile settecentesco. Compose oltre seicento cantate da camera. Dopo l'ingresso nell'Arcadia (con il nome di Terpandro Politeio), il suo stile si asciugò e si cristallizzò in forme di assoluta perfezione formale ed eleganza contrappuntistica, stabilendo lo standard per tutta l'Europa. Giovanni Bononcini (1670 – 1747), attivo a Bologna, Roma e poi all'estero, fu un compositore di enorme successo. Le sue cantate, celebri per la dolcezza melodica e la grazia, lo resero uno degli autori più alla moda del suo tempo, tanto da diventare in seguito il grande rivale di Händel a Londra. Antonio Caldara (1670 – 1736), veneziano di nascita ma attivissimo a Roma e poi a Vienna, ne compose oltre trecento. La sua scrittura vocale è estremamente raffinata, con un uso magistrale del basso continuo che spesso dialoga in modo paritario con la voce. Benedetto Marcello (1686 – 1739), nobile veneziano, spirito indipendente e tagliente, scrisse circa trecento cantate. A differenza della fluidità melodica napoletana, Marcello sperimenta spesso soluzioni armoniche audaci e un uso del recitativo molto drammatico e incisivo. Francesco Gasparini (1661 – 1727), maestro di coro a Venezia (dove ebbe Vivaldi come collega) e poi a Roma, scrisse un gran numero di cantate da camera che si distinguono per l'eleganza del contrappunto e la cantabilità. Antonio Vivaldi (1678 – 1741), benché sia celebre soprattutto per i concerti e le opere, scrisse una quarantina di splendide cantate da camera (per lo più negli anni '10 e '20 del Settecento), portando anche nella voce solista il suo inconfondibile piglio ritmico e virtuosistico.

La prima generazione d'oro della Scuola Napoletana

La prima generazione d'oro della Scuola Napoletana ebbe altri illustri rappresentanti. Nicola Porpora (1686 – 1768) fu uno dei più grandi maestri di canto della storia (insegnò a Farinelli e Caffarelli). Le sue cantate da camera, molte delle quali pubblicate in prestigiose raccolte, sono il vertice del belcanto settecentesco: richiedono un virtuosismo tecnico spaventoso, ma sempre piegato all'eleganza espressiva. Emanuele d'Astorga (1680 – 1736), nobile siciliano (Barone di Ogliastro), ebbe una vita vagabonda e romanzesca. È ricordato dai contemporanei quasi esclusivamente per le sue squisite e malinconiche cantate da camera, diffusissime nei salotti di tutta Europa. Leonardo Vinci (1690 – 1730), prima della sua morte prematura, fu la punta di diamante dello stile napoletano. Le sue cantate mostrano melodie chiare, brillanti e un accompagnamento che inizia a semplificarsi per dare il primato assoluto e incontrastato alla voce.

Sintesi del periodo arcadico

La Cantata nell’età dell’Arcadia è il genere più coerente con la nuova riforma poetica, laboratorio della futura opera seria e spazio privilegiato della sperimentazione controllata. Se il Barocco ha inventato la Cantata, l’Arcadia la rende classica. Il periodo che va dal 1690 (anno di fondazione dell'Accademia dell'Arcadia a Roma) al 1730 circa rappresenta l'età dell'oro della Cantata da camera italiana. In questi decenni la forma si standardizza nella classica alternanza di Recitativo e Aria col da capo. L'estetica arcadica, che promuove un ritorno all'ordine, alla misura e alla grazia "pastorale" contro gli eccessi del Barocco, trova nella Cantata il suo laboratorio musicale perfetto.